La galerie David Zwirner expose jusqu’au 28 mars les œuvres sur papier du maître belge Léon Spilliaert, figures de l’introspection et du mystère.

C’est une plongée dans l’âme humaine et les brumes d’Ostende que propose actuellement la galerie David Zwirner (https://www.davidzwirner.com/). Située au 108 rue Vieille du Temple, l’institution accueille une sélection rare d’œuvres de l’artiste belge Léon Spilliaert (1881-1946). Organisée en collaboration avec Agnews Brussels, cette exposition fait suite au succès d’une présentation monographique à New York en 2025. Sous le commissariat de Noémie Goldman, historienne de l’art et directrice d’Agnews, l’accrochage parisien met en lumière la singularité d’un créateur qui, pendant près d’un demi-siècle, a exploré les confins de l’intensité psychologique.

Une technique née de l’insomnie

Léon Spilliaert occupe une place à part dans l’histoire de l’art du 20ème siècle. Souffrant d’insomnies chroniques et d’ulcères, l’artiste travaillait rarement dans un atelier conventionnel. Cette contrainte physique a dicté ses choix techniques : il privilégiait des supports portables, principalement le papier, sur lesquels il opérait une alchimie complexe. Aquarelles, gouaches, pastels, encres de Chine et crayons de couleur se mêlent pour créer des surfaces aux reflets uniques.

Les œuvres présentées, datant majoritairement d’une période faste située entre les années 1900 et 1910, témoignent de cette esthétique de la nuit et du silence. Une forme de tranquillité mélancolique émane de chaque composition, qu’il s’agisse de paysages oniriques ou de figures solitaires. Ces représentations de la condition humaine, universelles et intemporelles, continuent d’inspirer les artistes contemporains, à l’image du peintre Luc Tuymans.

La métaphysique des objets et du soi

Le parcours de l’exposition s’attarde notamment sur une série de natures mortes réalisées entre fin 1908 et début 1909. À cette époque, Spilliaert loue un grenier sur le port d’Ostende. Il y dépeint des flacons et des carafes en gros plan, jouant sur la transparence et l’opacité du verre. Ces travaux ne sont pas anodins : fils d’un parfumeur réputé, l’artiste transforme ces objets du quotidien en sujets d’étude quasi mystiques. Selon les experts, cette approche de la réalité préfigure la peinture métaphysique de Giorgio de Chirico et les recherches des surréalistes.

L’introspection est également au cœur de son travail sur l’autoportrait, un genre où la critique s’accorde à dire qu’il excellait. L’exposition dévoile des œuvres marquantes comme l’*Autoportrait au gilet jaune* (1911). Souvent sombres, ces visages scrutés dans le miroir traduisent une interrogation existentielle profonde, une quête d’identité qui avait déjà fait l’objet d’une grande rétrospective au musée d’Orsay en 2007.

Solitudes et horizons marins

Impossible d’évoquer Spilliaert sans mentionner Ostende, la ville balnéaire qui fut son ancrage. Ses promenades nocturnes sur la digue ont nourri ses paysages marins les plus célèbres. L’artiste n’hésite pas à malmener la perspective classique pour accentuer le sentiment de vertige et de vide. Dans *La courbe de la digue* (1908), l’architecture s’efface au profit de lignes courbes et abstraites, plongeant le spectateur dans une atmosphère énigmatique.

Cette aura de mystère enveloppe également les figures humaines. Influencé par la littérature symboliste, et notamment par le dramaturge Maurice Maeterlinck dont il a illustré les œuvres, Spilliaert peuple ses tableaux de silhouettes féminines mélancoliques. Souvent peintes de dos ou dans la pénombre, ces femmes semblent figées dans une attente éternelle, écho probable des épouses de pêcheurs guettant le retour des bateaux sous les fenêtres du peintre.

Une résonance parisienne

La tenue de cette exposition à Paris revêt une dimension symbolique particulière. La capitale française a joué un rôle déterminant dans la carrière de Léon Spilliaert, qui s’y rendait chaque année entre 1904 et 1916. C’est à Paris, en 1900, qu’il découvre le symbolisme lors de l’Exposition universelle, un choc esthétique fondateur. C’est également dans cette ville qu’il tissa des liens étroits avec le poète Émile Verhaeren, lui ouvrant les portes d’un réseau intellectuel comptant des figures comme Auguste Rodin ou Félix Vallotton.

Aujourd’hui, le musée d’Orsay conserve la plus importante collection institutionnelle de l’artiste hors de Belgique, confirmant le lien indéfectible entre le maître d’Ostende et la Ville Lumière. Cette nouvelle exposition dans le Marais offre une occasion précieuse de redécouvrir la modernité saisissante de son œuvre.