Une exposition historique met en lumière l’influence des femmes artistes néerlandaises et flamandes des XVIIe et XVIIIe siècles.

Cet automne, le National Museum of Women in the Arts (NMWA) à Washington D.C. présente une exposition majeure qui revisite l’histoire de l’art en mettant en avant le rôle des femmes artistes néerlandaises et flamandes des XVIIe et XVIIIe siècles. Intitulée « Women Artists from Antwerp to Amsterdam, 1600–1750 », cette exposition inédite sera visible du 26 septembre 2025 au 11 janvier 2026. Elle propose une nouvelle perspective sur cette période culturellement significative, souvent appelée l’Âge d’Or néerlandais, en se concentrant sur les contributions des femmes artistes.

Une réévaluation historique

L’exposition met en lumière près de 150 œuvres de 40 artistes femmes, dont Gesina ter Borch, Maria Faydherbe, Judith Leyster, Maria van Oosterwijck, Clara Peeters, Rachel Ruysch, Jeanne Vergouwen, Michaelina Wautier et bien d’autres. Elle inclut également des œuvres d’artisanes anonymes dont les productions textiles étaient essentielles à l’économie de l’époque. Les œuvres exposées comprennent des peintures, des gravures, des sculptures, des découpages en papier, des broderies et des dentelles, dont beaucoup sont présentées pour la première fois aux États-Unis.

Une collaboration internationale

L’exposition est organisée en partenariat avec le Museum of Fine Arts de Gand, en Belgique, et sera ensuite présentée à Gand du 7 mars au 31 mai 2026. Elle est co-organisée par Virginia Treanor, conservatrice en chef du NMWA, et Frederica van Dam, conservatrice des maîtres anciens au Museum of Fine Arts de Gand. L’exposition à Washington D.C. comprend des prêts de plus de 50 institutions publiques et collections privées, dont le Amsterdam Museum, l’Art Institute of Chicago, les Harvard Art Museums, le Kunsthistorisches Museum de Vienne, le Metropolitan Museum of Art de New York, le Museum Gouda aux Pays-Bas, le Museum of Fine Arts de Boston, la National Gallery of Art de Washington D.C., le Philadelphia Museum of Art, le Prado Museum de Madrid, le Rijksmuseum d’Amsterdam et le Victoria and Albert Museum de Londres.

Un moment charnière

Susan Fisher Sterling, directrice du NMWA, décrit cette exposition comme un moment charnière. « En éclairant d’un jour nouveau les histoires culturelles et économiques, nous pouvons redécouvrir des héritages perdus remarquables », déclare-t-elle. « Le travail des femmes artistes était hautement respecté et essentiel à la culture artistique des XVIIe et XVIIIe siècles à travers les Pays-Bas et la Belgique, alimentant ce qui était alors l’une des économies les plus puissantes du monde. En raison d’un mélange de biais culturels et institutionnels, les noms des femmes artistes ont souvent été omis des livres d’histoire. Heureusement, grâce à des expositions novatrices comme celle-ci, cette histoire est en train d’être réévaluée, permettant enfin de raconter des récits plus complets et plus complexes. »

Redécouvrir les légendes des femmes artistes

L’exposition se concentre sur la période autrefois connue sous le nom de « Âge d’Or néerlandais », un terme désuet qui occulte les circonstances ayant conduit à l’économie de luxe de la région : un colonialisme dévastateur à l’étranger et des hiérarchies sociales rigides à domicile. Pendant cette période, les femmes ont participé à presque tous les médiums et genres artistiques, apportant des contributions vitales dans divers domaines de la production culturelle. Elles étaient des participantes valorisées dans l’économie artistique, impliquées dans la fabrication et la vente de biens centraux au succès économique sans précédent des Pays-Bas (actuels Belgique et Pays-Bas).

Virginia Treanor, conservatrice en chef du NMWA et commissaire de l’exposition, explique : « Beaucoup de gens connaissent les artistes masculins de cette période, comme Rembrandt et Vermeer, mais peu ont entendu parler des femmes artistes les plus éminentes qui ont travaillé à la même époque. » Elle ajoute : « Bien qu’il y ait eu quelques expositions monographiques récentes sur des femmes artistes importantes de cette région, il n’y a jamais eu auparavant une exposition de synthèse consacrée à plusieurs femmes artistes et à divers médiums artistiques de l’époque. »

Réévaluer les formes d’art négligées

L’exposition vise à redécouvrir l’importance culturelle de formes d’art souvent négligées dans lesquelles les femmes excellaient, telles que le découpage en papier, la dentelle et la broderie. Elle révèle que ces objets étaient souvent plus chers et plus prisés que de nombreuses peintures et constituaient une partie intégrante de l’économie artistique. En rejetant les hiérarchies artistiques fondées sur la discrimination de genre et en recontextualisant les jugements autour de ce que l’on appelle « l’artisanat » par opposition aux « beaux-arts », l’exposition replace le travail des femmes fermement dans le cadre de l’économie artistique de la région.

Présence

La première section, Présence, démontre que les femmes étaient des participantes honorées dans presque tous les aspects de la culture artistique de l’époque. Parmi les points forts, on trouve des autoportraits d’artistes comme Judith Leyster (1609–1660), Maria Schalcken (1645–avant 1700), Louise Hollandine, Princesse du Palatinat (1622–1709) et Anna Maria van Schurman (1607–1678). Les femmes artistes utilisaient l’autoportrait pour exprimer leurs identités intellectuelles et promouvoir leurs ambitions artistiques. Dans son autoportrait d’environ 1630, Leyster se représente à un chevalet, avec un pinceau à la main et une expression confiante, portant un impressionnant col en dentelle large qui marque clairement sa richesse et son statut.

Choix

La section suivante, Choix, explore les décisions disponibles pour les femmes de cette période, où les opportunités d’avancement artistique variaient considérablement en fonction des relations familiales et du statut socio-économique. Certaines, comme Anna Maria van Schurman, venaient de familles aisées qui encourageaient le talent artistique de leurs filles en les apprentissant à des peintres masculins de renom. D’autres étaient formées au sein d’ateliers familiaux. La décision de se marier et d’avoir des enfants, ou non, avait également des impacts profonds. Cependant, cela n’affectait pas toutes les femmes de la même manière ; par exemple, Rachel Ruysch a eu au moins dix enfants et une carrière réussie qui s’est étendue sur six décennies.

Cette section présente une variété de textiles, y compris de la dentelle, de la broderie et des échantillons, pour éclairer la formation que les femmes et les filles recevaient dans ces formes d’art culturellement importantes mais négligées. Les filles de toutes les classes étaient censées apprendre à coudre comme partie de leur éducation, et celles de statut socio-économique inférieur pouvaient recevoir une formation en production textile comme moyen de subvenir à leurs besoins financiers. Elles produisaient des textiles incroyablement ornés et compliqués qui étaient échangés localement et mondialement. Ce travail était documenté dans des gravures d’intérieurs domestiques montrant des femmes tissant, cousant ou filant, ainsi que dans des peintures de sites industriels, comme Orphans at Work (1676), de Johannes de Maré (vers 1640–1709).

Économie

La section Économie illustre les nombreuses façons dont les femmes étaient essentielles à l’économie artistique des Pays-Bas, en soutenant que le travail féminin était un facteur significatif dans l’expansion sans précédent du commerce et le marché de l’art florissant au XVIIe siècle. À une époque où un col en dentelle pouvait être plus cher qu’une peinture, les textiles fins de l’exposition montrent que les femmes produisaient des biens cruciaux pour l’économie artistique. Cependant, comprendre cette réalité économique nécessite un examen de la relation entre la production culturelle et la mondialisation croissante de l’époque, de l’exploitation de l’esclavage aux opportunités offertes par la croissance du commerce colonial.

Les artistes répondaient aux goûts changeants des acheteurs, comme Maria Schalcken, qui peignait des scènes domestiques populaires ; Joanna Vergouwen (1630–1714), qui créait des copies de célèbres œuvres pour l’exportation vers les colonies espagnoles ; et Alida Withoos (1662–1730), qui créait des natures mortes de sols forestiers pour les collectionneurs intéressés par les « sujets scientifiques ». Maria Sibylla Merian (1647–1717) répondait à la demande robuste pour des volumes scientifiques coûteux et richement illustrés dépeignant les dépouilles écologiques du « Nouveau Monde ».

Héritage et valeur

L’exposition se conclut par la section Héritage et valeur, qui examine comment les femmes artistes ont été systématiquement marginalisées dans les récits historiques de l’art au cours des trois derniers siècles. Une cause en est la mauvaise attribution d’œuvres de femmes à des contemporains masculins mieux connus. Au XVIIIe et au XIXe siècle, les peintures de Judith Leyster étaient fréquemment mal attribuées au peintre Frans Hals (1582 ou 1583–1666) ou à son mari, Jan Miense Molenaer (vers 1610–1668). Certaines femmes ont été intentionnellement et activement effacées des récits historiques de l’art. La signature de Maria Schalcken sur son Autoportrait dans son atelier (vers 1680) comporte une zone vide avant son nom de famille, ce qui suggère qu’à un moment donné de l’histoire de la peinture, son prénom a été obscurci. Il semble probable que cela ait été fait pour attribuer l’œuvre à son frère, Godfried (1643–1706), comme ce fut le cas pendant tout le XXe siècle, avant d’être finalement réattribuée à Maria Schalcken en 2006.

Souvent, l’importance historique du travail d’une femme artiste a été sous-estimée et sous-évaluée. L’artiste Rachel Ruysch était une innovatrice dans la peinture de fleurs, produisant des natures mortes florales trompeusement réalistes avec des plantes, des fruits, des papillons et des insectes. De son vivant, elle était probablement la peintre la plus accomplie et la plus respectée du genre, et ses œuvres étaient des objets de collection coûteux. Cependant, dans les siècles qui ont suivi, l’histoire n’a pas accordé le même respect à l’art de Ruysch qu’à celui de ses homologues masculins. Cette injustice est lente à être réparée ; sa première exposition monographique est actuellement en cours dans un projet organisé par l’Alte Pinakothek de Munich, le Museum of Fine Arts de Boston et le Toledo Museum of Art, Ohio.

Cette section finale fait le lien entre l’histoire et le présent, traçant le fossé entre la renommée de nombreuses femmes artistes de leur vivant et leur obscurité dans l’histoire de l’art au cours des 300 dernières années. Ces femmes artistes et celles de leurs cercles ont travaillé à sécuriser leurs héritages artistiques, qui sont enfin honorés aujourd’hui avec l’exposition du NMWA.

Virginia Treanor, co-commissaire de l’exposition, explique : « Le recadrage de cette époque est crucial. Le langage compte ; la manière dont nous parlons des périodes historiques et des femmes artistes compte ; cela façonne notre compréhension des réalités économiques et genrées dans le passé et le présent. »

Publication et programmation

Un catalogue significatif, publié en néerlandais et en anglais, accompagne l’exposition. Édité par les co-commissaires Virginia Treanor du NMWA et Frederica Van Dam du MSK Gand et publié par Hannibal Books, le catalogue de 304 pages présente de nouvelles recherches et perspectives de Treanor et Van Dam ainsi que de Klara Alen, Frima Fox Hofrichter, Elena Kanagy-Loux, Judith Noorman, Catherine Powell-Warren, Inez De Prekel, Marleen Puyenbroek, Oana Stan et Katie Altizer Takata. Une série de programmes donnera vie aux divers aspects de « Women Artists from Antwerp to Amsterdam, 1600–1750 », des ateliers pratiques aux événements reflétant la culture matérielle contemporaine. Plus de détails seront annoncés dans les mois à venir.

Partenaires et soutiens

« Women Artists from Antwerp to Amsterdam, 1600–1750 » est organisée en partenariat avec le Museum of Fine Arts de Gand, en Belgique. L’exposition est rendue possible grâce à Denise Littlefield Sobel avec des dons de leadership majeurs de Morgan Stanley et Tara Rudman. Un financement supplémentaire est fourni par Martha Lyn Dippell et Daniel L. Korengold, Lugano, Kay Woodward Olson, Patti et George White, Laurel et John Rafter, et un donateur anonyme. Un soutien supplémentaire provient de Marcia Myers Carlucci, du programme Dutch Culture USA du Consulat général des Pays-Bas à New York, Jacalyn D. Erickson, Jacqueline Badger Mars, Geri Skirkanich, de la Tavolozza Foundation, de VisitFlanders, de la Gladys Krieble Delmas Foundation, Angela LoRé, Anne L. von Rosenberg, Ilene S. et Jeffrey S. Gutman, de la Samuel H. Kress Foundation, Charlotte et Michael Buxton, Anne N. Edwards, de la Netherland-America Foundation, et Frances Luessenhop Usher.

À propos des commissaires

Virginia Treanor, conservatrice en chef au National Museum of Women in the Arts, détient un doctorat en art néerlandais et flamand du XVIIe siècle de l’Université du Maryland (2012), où elle a étudié avec Arthur K. Wheelock, Jr., ancien conservateur de la peinture néerlandaise et flamande à la National Gallery of Art (NGA) à Washington, D.C. Treanor a travaillé à la NGA de 2005 à 2008, aidant à l’exposition Jan Lievens: A Dutch Master Rediscovered, organisée par la NGA, le Milwaukee Art Museum et le Rembrandthuis Museum, Amsterdam. La thèse de Treanor portait sur le rôle d’Amalia van Solms (1602–1675) dans la formation de la collection d’art du Stadhouder, et elle a également écrit sur l’art de Judith Leyster, Clara Peeters et Rachel Ruysch. Engagée dans une érudition qui éclaire et contextualise les contributions des femmes historiques, Treanor a également organisé des expositions sur l’art des XVIIIe, XIXe siècles et contemporain.

Frederica van Dam est conservatrice des maîtres anciens au Museum of Fine Arts (Museum voor Schone Kunsten, MSK) à Gand, en Belgique. Elle a obtenu son doctorat en histoire de l’art à l’Université de Gand sous la supervision du Prof. Dr. Maximiliaan Martens et du Prof. Dr. Koenraad Jonckheere, avec des recherches sur les peintres flamands en Angleterre à l’époque moderne, qui ont abouti à un livre sur le peintre-poète de Gand Lucas d’Heere (1534–1584). Au MSK, elle est responsable de la collection d’art datant d’avant la Révolution française. En tant que chef d’équipe, elle est également responsable du département des expositions du musée. L’expertise de Van Dam se concentre sur la peinture néerlandaise méridionale de l’époque moderne (1500–1650) et ses liens avec l’Angleterre et l’Italie, l’histoire de l’art technique et la connoisseurship. Elle a co-organisé l’exposition largement acclamée Van Eyck. An Optical Revolution et a été la force motrice derrière la première exposition monographique et le livre sur l’artiste flamand Theodoor Rombouts (1597–1637).

National Museum of Women in the Arts

Le National Museum of Women in the Arts (NMWA) est le premier musée au monde exclusivement dédié à la promotion des femmes à travers les arts. Avec ses collections, expositions, programmes et contenus en ligne, le musée inspire des échanges dynamiques sur l’art et les idées. Le NMWA plaide pour une meilleure représentation des artistes femmes et non binaires et sert de centre vital pour le leadership intellectuel, l’engagement communautaire et le changement social. Le NMWA aborde le déséquilibre entre les sexes dans la présentation de l’art en mettant en lumière d’importantes artistes femmes du passé tout en promouvant de grandes artistes femmes contemporaines. La collection met en avant une variété d’œuvres dans divers médiums par des artistes telles que Rosa Bonheur, Louise Bourgeois, Lalla Essaydi, Lavinia Fontana, Frida Kahlo, Hung Liu, Zanele Muholi, Faith Ringgold, Niki de Saint Phalle et Amy Sherald.

Le NMWA est situé au 1250 New York Avenue, NW, Washington, D.C. Il est ouvert du mardi au dimanche, de 10h à 17h, et fermé les lundis et certains jours fériés. L’entrée est de $16 pour les adultes, $13 pour les résidents de D.C. et les visiteurs de 70 ans et plus, et gratuite pour les visiteurs de 21 ans et moins. L’entrée est gratuite le premier dimanche et le deuxième mercredi de chaque mois. Pour plus d’informations, appelez le 202-783-5000, visitez nmwa.org, le blog Broad Strokes, Facebook | Instagram.